9月5日晚，第十九届中国戏剧节在杭州鸣锣开鼓，在接下来的20个日夜中，从京剧的铿锵水袖、越剧的缠绵婉转，到黄梅戏的明快乡音，再到舞剧的肢体诗行、话剧的声情并茂，涵盖20个戏曲剧种及不同艺术门类的42部精心打磨的优秀剧目将陆续在杭州和温州上演。

　　近年来，越来越多的戏剧在题材、演绎方式等方面求新求变，吸引了越来越多的年轻人走近戏剧舞台。当古老的戏剧与飞速发展的技术、日趋多元的审美相遇，会擦出怎样的火花？今天，我们通过五个问题来聊聊中国戏剧节。

       一、看戏剧的年轻人为何多了？

　　本届中国戏剧节的开幕大戏《北上》，早在开演前一个月就已全网售罄，各售票平台持续显示“缺货登记”。年轻人带着好奇与审视走进剧场，也为传统舞台注入了鲜活的“青春流量”。

　　戏剧的生命力，在于一代代人的接续。老一辈观众对经典剧目的如数家珍令人动容，环顾今日剧场，众多年轻身影正成为台下不可或缺的力量。

　　年轻人对世界的独特感知、对现实的犀利洞察、对情感的别样表达，正成为戏剧创作取之不尽的源泉。中国戏剧在坚持守正的同时，也正不断地在内容与形式上创新，用年轻化的表达来吸引新一代的观众，让戏剧保持长久的生命力。

　　如昆剧《牡丹亭》在夜晚的苏州拙政园上演，巧妙地将园林化为舞台，既丰富了戏剧的场景，又让观众沉浸式感受“不到园林，怎知春色如许”。诸如《武家坡2021》《悟空》以及京剧版《孤勇者》的出圈，都让年轻人从另外角度领略了戏剧之美。

　　其实，中国戏剧从诞生之日起，便有着创新的基因。从宋元南戏到京剧的形成，不同戏种之间不断融合，在经典剧目的基础上关注当下，创作了一批现实题材的优秀剧目。

　　戏剧是“活”的艺术，它依赖“人气”。当老一辈观众逐渐离场，年轻观众能否持续涌入，直接关系到剧种能否存续、舞台能否繁荣。中国戏剧节的舞台在杭州铺开，正是一次向年轻人发出的盛大邀约——不妨走进剧场，触摸这份“活”的文化遗产。

      二、“天下第一团”为何有100多个？

　　湖南祁剧、山东柳子戏、满族新城戏、新疆曲子戏……这些首次在中国戏剧节亮相的戏曲剧种，有一个共同的名字——天下第一团。

　　为何是“天下第一团”？这一称号虽非官方认证，却承载着厚重的文化分量和责任，指的是全国仅存一个专业院团的地方戏曲剧种。“天下第一”，其实就是“天下唯一”，它们是没有“兄弟姐妹”的“独苗”，以一团之力扛起了传承稀有乃至濒危剧种的重任。

　　数据显示，目前我国300多个剧种中，有120多个“天下第一团”，其中就包括浙江的台州乱弹、甬剧、瓯剧、新昌调腔等。这些剧种大多历史悠久，有的身怀“独门绝技”，有的唱腔独一无二，也有的与地方民俗、社会礼仪深刻关联。

　　然而，作为戏剧界的“小门小户”，许多稀有剧种面临创作乏力、后继无人、受众萎缩等现实危机。比如，以往宁海平调剧团的生存空间十分有限，群众对平调缺乏认知；泉州打城戏曾遭遇曲终人散的担忧，剧团在保护传承打城戏的过程中遇到过许多困难。

　　即便前路艰难，但这些剧团却没有“躺平”，而是一直在为走出“深闺高阁”、主动拥抱观众付出努力。比如，为了培养平调传承人，去年宁海平调剧团还招了新一代的“宁海平调传承班”，宁海平调当家人吕娅娜获得金桂奖；泉州市成立了打城戏传承中心，培养了新一代的年轻传承人，近年来打城戏也频频在国际舞台上亮相。

　　我们期待从中国戏剧节的舞台出发，更多稀有剧种能够破圈生长，让承载文化记忆的艺术“火种”永不熄灭。

        三、为何要重提“十年磨一戏”？

　　“十年磨一戏”，这是戏剧界的老话，也是第十九届中国戏剧节鲜明倡导的新风向。早在剧目征集阶段，主办方就明确提出：“尊重戏剧艺术创作规律，发扬十年磨一戏精神，鼓励持续打造，避免‘狗熊掰棒子’现象。”

　　回望来路，经典的诞生从来离不开时间的淬炼。我国现代戏剧奠基人田汉创作《白蛇传》剧本，十二三年间字斟句酌；青春版《牡丹亭》凝聚一代代创作者心血，20余年经久不衰……

　　磨剧，“磨”的是剧本的深度、舞台的表现力，是作品对现代观众审美的适应能力，是一部好剧从“出生”迈向“经典”，乃至拥有持久生命力的必经之路。

　　本届戏剧节的入围剧目，正是对“十年磨一戏”精神的生动诠释——既有自1999年创演以来反复完善、反复提升的瓯剧经典之作《杀狗劝夫记》，也有历经4年精心打磨、三次版本升级的音乐剧《八女投江》；既有曾获“文华大奖”、被誉为“中国歌剧里程碑”的《原野》，也有边演边创新、大胆融入无人机等高科技手段辅助演绎的婺剧《三打白骨精》。

　　“十年磨一戏”，本质上是以时间铸就精品。它代表的不仅是一种创作态度，更是一种价值导向：反对急功近利的“速成品”，抵制“唯评奖论”，呼唤更多戏剧人做坚守理想、敬畏舞台、尊重观众的长期主义者，以匠心赢得真心。

         四、一部戏剧史，为何“半部在浙江”？

　　“一部戏剧史，半部在浙江”。来自杭州建德的著名戏剧评论家戴不凡曾在《我的家乡地方戏》中说，一部清初以前的中国戏剧史，恐怕要说半部是在浙江。

　　浙江这片江南水乡，孕育了越剧、婺剧、绍剧等18个剧种，拥有戏剧类省级非遗项目58个。这里不仅走出了众多戏剧名家，诞生了大量经典作品，更成为中国戏剧演进的精神腹地与艺术实验室，以独特文化基因书写了半部皇皇戏剧史。

　　步入近现代，浙江戏剧依然大家云集。京剧大师周信芳（宁波人）创立“麒派”，表演艺术独树一帜；越剧表演艺术家袁雪芬（绍兴人）锐意改革，奠定越剧现代格局；剧作家夏衍（杭州人）的话剧创作，开创中国现代戏剧新风貌。

　　杭州也是戏剧创新的实验场。比如，新国风·环境式越剧《新龙门客栈》火爆出圈，带动大量从未接触过越剧的年轻人走进剧场，所到之处座无虚席；青春越剧《我的大观园》凭借极致的舞台美学演绎青春群像，每演一场观者如堵。

　　2021年，杭州接过中国戏剧节节旗，宣告第十八届、十九届、二十届中国戏剧节将落户于此。中国戏剧节与浙江，从来不是单方面“偏爱”，而是“戏”与“城”的双向奔赴。

       五、一个戏剧节，如何让更多人入戏？

　　有人担心，戏剧节的热闹只是昙花一现，活动结束后行业又会回到冷寂状态。摆脱“一时热长期冷”的境遇，关键在于让更多人从看戏变为入戏。

　　当戏剧从舞台走向城市空间，当看戏从一种小众爱好化身文化潮流，传统戏剧才能跳出展演平台的单一属性，撬开更加广阔的发展空间。

　　越剧《新龙门客栈》的成功，让沉浸式舞台的表演形式走红。演员与观众之间的互动更加直接、热烈，这种文艺欣赏与情绪价值的叠加，通过新兴传播技术和社交媒体的放大效应，使得看戏的社交属性拉满。

　　本届戏剧节，同样打破了行业自说自话、与市场脱节的困境，用“跨界联姻”的玩法让演艺行业活起来，触达更多人群。比如，杭州湖滨步行街西子廊桥上，首场预热快闪引来无数行人驻足；钱塘金沙湖畔，热门剧目主角化身NPC，与市民游客热情互动……

　　更进一步看，一个戏剧节就是一个新的文化消费增长点。特别是对于“为热爱消费”的年轻群体来说，一张戏票足以成为“说走就走”的理由。比如，杭州将演出剧目与文旅资源融合，特别推出一系列文旅消费优惠，不仅延长了消费链条，更实现了从“一出戏”到“一趟旅程”的消费升级，将一个节的热度转化为文旅市场的长期魅力。

　　大幕拉开，愿这场艺术盛会能成为一次文化的接力，在之江大地精彩绽放。